Olá!

Já é dezembro e nós estamos nas últimas semanas do desafio cinematográfico! Somente mais alguns filmes para o final do ano e ter oficialmente completado um filme por semana ao longo do ano!! (YAY) Quais as categorias restaram para o final da jornada?

Hoje nós trouxemos uma que talvez seja a mais difícil das categorias, assim próximo do encerramento, fechando com chave de ouro. Ao longo da história do cinema muitos diretores e realizadores se voltaram a pensar o próprio cinema, e mais importante se passado. Hoje tudo se trata da história do cinema e como o próprio cinema vê essa história.

Afinal, todos que já se colocaram atrás de uma câmera contribuíram para como nós encaramos o cinema atualmente, por isso todos os filmes aqui hoje se tratam de pessoas fazendo filmes, ou trabalhando com cinema, em algum período do passado. Alguns filmes trazem um passado nostálgico, belo, estético e muitas vezes idealizado, outros buscam a mais fiel reconstrução dos fatos(inclui-se aqui os documentários, inescapáveis nesta categoria).

ENTÃO VAMOS LÁ!

 

Cantando na chuva (Gene Kelly, Stanley Donnen, 1952)

Na Hollywood dos anos 30, o casal de queridinhos da América Don Lockwood (Gene Kelly) e Lina Lamont (Jean Hagen) se veem diante da popularização do cinema falante, porém ambos fizeram sua fama através de filmes silenciosos. Apesar de não possuírem grandes envolvimentos os dois decidem enfrentar a atuação e assumir papéis em um filme falado, mas para isso se veem diante de todo tipo de situação inusitada, de conselhos de amigos até mesmo a contratação de uma dubladora para Lina.

A caracterização de uma Hollywood que mesmo passados somente 20 anos já sofria alterações drásticas é extremamente bem sucedida. Gene Kelly e Donnen reproduzem os hábitos das celebridades que haviam começado um ciclo que se encerrava com eles. Além disso, Cantando na Chuva se estabelece como uma grande homenagem à inicio do cinema falado, afinal não haveria musicais sem ele.

 

Ave, César (Irmãos Coen, 2016)

Como provado pela indicação acima, Hollywood sempre foi um cenário frenético e aparentemente caótico. Durante os anos 50, em meio a paranoia anticomunista pela qual o cinema se viu tomado, o astro de uma mega produção, Baird Whitlock (George Clooney) é sequestrado de seu trailer em um dos principais dias de filmagem, a partir dai o assistente da produção tem de encontrar o protagonista antes do final do dia.

Que fique bem claro que os irmãos Coen não somente se utilizam desta história para satirizar Hollywood, mas também incluem fortes doses ironia ao próprio pensamento paranóico norte americano. A reconstrução de uma Hollywood que mais se assemelha a um caos aqui, diferentemente do filme anterior, não serve para uma homenagem ou elegia, mas sim para o humor mais ácido como é característico desta dupla de diretores.

Nine (Rob Marshall, 2009)

Talvez este seja um dos mais peculiares filmes desta lista. O diretor Rob Marshall se volta a outra tradição de cinema que não aquele hollywoodiano, esta em foco aqui os filmes italianos. Em 1963, o diretor italiano Federico Fellini lança uma obra semi autobiográfica, o filme “Oito e Meio“, a historia do diretor Guido Contini, um prolífico diretor italiano dos anos 60 que se vê diante de um bloqueio criativo. Incapaz de escrever e dirigir um novo filme, Guido parte em busca de si próprio, e no caminho encontra os amores perdidos e frustrados, mulheres que deixou para trás e há muito tempo não pensava.

Nine se trata assim, do remake musical de uma obra semi autobiográfica (sim , é um conceito estranho) do diretor Federico Fellini, inclusive há poucas mudanças nas duas histórias. O que importa na mais atual é sua abordagem histórica, sua necessidade de jogar o ator Daniel Day Lewis, interprete de Contini para o período de Fellini, porém o resultado que se vê é muito mais voltado para estética, muito forte na Itália dos anos 60 e também para a subjetividade do personagem principal.

 

Ed Wood (Tim Burton, 1994)

Como é tradicional em Tim Burton, o diretor se interessa pelos pequenos, pelos estranhos, pelos peculiares e pelos diferentes, Ed Wood não fica atrás. A biografia assinada por Burton do diretor de filmes trash dos anos 50, lida com Edward Davis Wood Jr. (Johnny Depp) considerado o pior diretor de todos os tempos, Ed se coloca a margem daquela Hollywood glamourosa e caótica da sua época e se volta a projetos independentes e grupos de atores diferentes e também excluídos daquele mundo.

Quando Burton olha para os marginais históricos de Hollywood ele não o faz a toa. Mesmo um diretor como Ed Wood deixou suas digitais na história do cinema, seja pelo lado negativo, pois seus filmes, com baixo orçamento são considerados risíveis, ou seja pelo positivo, afinal o próprio Burton é muito influencia pela estética proeminente nos filmes de Ed Wood, ou seja, algum legado ele possui. Assim como o próprio diretor, a sua cinebiografia também é extremamente polêmica.

 

A invenção de Hugo Cabret (Martin Scorsese 2012)

É o inicio do século XX, o jovem Hugo Cabret (Asa Butterfield) vive escondido em uma movimentada estação francesa, ele se tornou orfão de ambos os pais e tudo que resta dele é um robô chamado automato, em tese o robô teria de funcionar sozinho, mas Hugo foi incapaz de descobrir como faze-lo funcionar. Enquanto foge de seguranças e tenta sobreviver, Hugo conhece Isabelle (Chloe Grace Moretz) e por algum motivo ela tem uma chave que é capaz de fazer o robô automato de Hugo funcionar como antes. Então os dois se veem envolvidos em uma trama que é muito maior que eles, e passa pelo consertador de brinquedos, que talvez seja muito mais que isso 😉 .

A invenção de Hugo Cabret é um daqueles que a principio parece deslocado estando nessa categoria. Somente a principio, pois a atmosfera lúdica criada por Scorsese em total maestria de seu posto como diretor, encobre os diversos segredos e mistérios dessa trama. Se você já viu, sabe que é um conto que alude fortemente a invenção do cinema como forma de sonhar. Mas se você ainda não viu, não perca mais tempo, é sem dúvida o mais belo desta lista.

O artista (Michel Hazanavicius, 2011)

De forma semelhante a “Cantando na Chuva“, este filme aborda o período de transição dos filmes mudos para os filmes falados, pois essa foi uma das mais importantes mudanças na história do cinema. O ator George Valentin (Jean Dujardin), em uma clara referencia ao mega astro dos anos 20, Rudolfo Valentino, vê o declínio da sua carreira brilhante com a chegada do cinema falado. Considerado um momento de transição, alguns sempre acabam ficando a margem da transição, porém o filme mostra a luta de Valentin para se manter relevante, inclusive mostrando sua relação com Peppy Miller, que ascende a protagonista de filmes justamente sendo beneficiada pela mudança interna na indústria.

O artista é muito mais sóbrio ao tratar do período de transição, apesar dos personagens fictícios ele é fortemente centrado na realidade. Foi todo filmado em preto e branco, e mais importante, simulando um filme mudo, não por nostalgia a essa era, mas para mostrar ao espectador como se operou essa profunda mudança na forma de se fazer filmes. O artista é um brilhante exercício de metalinguagem e não a toa foi vencedor do Oscar de Melhor Filme em 2012.

Hitchcock/Truffaut (Kent Jones, 2015)

O livro, que compila a extensa entrevista entre os cineastas Alfred Hitchcock e François Truffaut, foi como um meteoro atingindo a água dado seu impacto. No extenso debate realizado entre os dois diretores, Hitchcock destrincha toda sua obra, de meios, métodos, histórias curiosidades, diante de um jovem diretor que já era um nome importante no cenário francês. Se é verdade que Hitchcock era mestre do seu meio de comunicação, Truffaut fez o próprio diretor explicar isso em detalhes.

Em 2015, o cineasta Kent Jones se incumbiu de ver as consequências do livro-entrevista, desse encontro de dois gigantes e também de como esse documento até hoje tem força nos cineastas mais novos e como influencia seus trabalhos. Em uma série de entrevistas que tem como tema central o livro, os cineastas ajudam a relembrar e discutir os inovadores e até mesmo ousados métodos usados por Hitchcock para contar suas histórias, incluindo até mesmo a forma subversiva como o diretor encarou a Hollywood de sua época. Aqui o procedimento da história fica por conta da rememoração (diferente dos outros, que buscam uma reconstrução), a todo momento se remetem àquela época para a compreensão de como isso os afeta até hoje.

Spielberg (Susan Lacy, 2017)

O segundo dos documentários desta lista é também um dos mais recentes a mergulhar na história do cinema norte americano, porém agora falamos de algo bem recente. É difícil achar alguém que não conheça o nome de Spielberg (os que não conhecem com certeza já assistiram algum de seus filmes), ele é considerado um dos diretores mais prolíficos dos últimos tempos e já foi capaz de construir um império em torno de suas obras. Quando se trata de Spielberg, falamos de um diretor junto com outros como George Lucas e Brian DePalma, que revolucionaram as lógicas do cinema e com seus filmes megalomaníacos arrastaram verdadeiras multidões para os cinemas e criaram novas mitologias.

No recem lançado documentário pela HBO, a diretora opta por realizar algumas fatias na vida de Spielberg, pulando do jovem garoto que tinha as próprias irmas como personagens, para o jovem diretor com seu grupo de amigos e por fim um dos maiores nomes da industria do cinema. Em suma, Lacy nos prova que um nome como esse e com o tipo de impacto que causou não deve passar batido.

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Eai? O que achou do Guia de Hoje? Faltou algum filme? Qual filme você escolheu para essa categoria? Conta pra gente!! E vamos em frente, que já já concluímos o desafio deste ano:)

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